Die besten kostenlosen eBooks über Grafikdesign

Im Folgenden stelle ich dir 20 eBooks über Grafikdesign vor, die dein Design-Know-how auf die nächste Stufe heben werden. Sicher, einige von ihnen sind grundlegende Konzepte. Aber weißt du was? Man kommt nicht in die Oberliga, wenn man nicht zuerst die Grundlagen beherrscht.

Nur weil du kreativ und innovativ bist, heißt das noch nicht, dass du die Designbranche erobern kannst.

Das sind zwar die wichtigsten Zutaten, aber zum Rezept gehört noch viel mehr. Grundlegende Designkenntnisse sind nach wie vor die Basis auf dem Weg zum Erfolg.

Genauso wenig wie man Profi-Basketball spielen kann, ohne die Regeln zu kennen, kann man sich in der Designbranche einen Namen machen, wenn man die grundlegenden Konzepte nicht beherrscht.

Einige der im Folgenden vorgestellten Ideen sind auch in ihrer Perspektive einzigartig und können dir helfen, die leeren Kreativphasen zu durchbrechen, mit denen du als Designer vielleicht des Öfteren konfrontiert bist.

Warum brauchst du diese eBooks über Grafikdesign?

Sie können dir einen perfekten Startpunkt bieten

Meistens ist der schwierigste Teil bei der Erstellung eines Entwurfs der Anfang. Mithilfe dieser Ressourcen kannst du einen nahtloseren Prozess schaffen, der dir helfen könnte, alle Hindernisse zu überwinden, die du bei der Arbeit an einem Projekt immer wieder hast.

Es gibt hier auch einige neue Konzepte, die du in deine bestehende Routine einbauen kannst. Du kannst nicht behaupten, dass dein Prozess bereits perfekt ist. Denke daran, dass es immer Raum für Verbesserungen gibt, besonders in einer sich ständig weiterentwickelnden Branche wie dem Design.

Dies erweist sich auch als hilfreich für Designer, die schon so lange in diesem Bereich tätig sind, dass sie das Bedürfnis haben, Dinge zu verändern und etwas Neues einzuführen. Schließlich kann man nicht immer bei der gleichen Sache bleiben. Manchmal kann eine Veränderung genau das Richtige sein, um deinen Stil zu verbessern, und diese eBooks über Grafikdesign können dir als Ausgangspunkt für diese Veränderungen dienen.

Sie können dir helfen, deine Arbeit besser zu organisieren

Für viele Designer ist das Chaos ihre Komfortzone. Aber dieses Chaos kann auch die Ursache für viele deiner Designprobleme sein. Diese Ressourcen können dir helfen, ein wenig Ordnung in deine Routine zu bringen. Mithilfe der Tipps, die in diesen eBooks über Grafikdesign vorgestellt werden, kannst du die Dinge langsam umkrempeln und deine Arbeit besser organisieren.

Die eBooks über Grafikdesign zeigen dir, welche Regeln du brechen kannst

Ja, Designer dürfen ab und zu gegen die Regeln verstoßen. Das ist auch notwendig, wenn du deine angeborene Kreativität und deinen Einfallsreichtum nutzen willst. Man kann nicht von sich behaupten, innovativ zu sein, wenn man die Dinge immer wieder auf dieselbe Weise macht, oder?

Aber wie kannst du die Regeln brechen, wenn du keine Ahnung hast, was die Regeln sind?

Betrachte diese eBooks über Grafikdesign als deinen Ausgangspunkt in dieser Hinsicht. In einigen dieser eBooks lernst du einige der grundlegendsten Designregeln kennen. Beherrschen diese Regeln, und überlege dir dann dann, wie du sie kreativ abwandeln und schließlich brechen kannst. Von hier aus kannst du wahrscheinlich die Art und Weise beeinflussen, wie Design in ein paar Jahren funktionieren wird.

Diese Ressourcen eröffnen Möglichkeiten für weiteres Lernen

Jeder große Designer hat nie aufgehört zu lernen. Es ging nicht darum, eine Sache zu tun und sie dann für immer zu tun. Wenn neue Trends auftauchen, passen sich große Designer auch an ihr Umfeld an. Tatsächlich sind sie oft diejenigen, die den Wandel auslösen, und sei es nur, um ihre Kreativität und Innovation am Leben zu erhalten.

Wenn du diese eBooks über Grafikdesign herunterlädst, öffnest du deinen eigenen Geist für eine neue Welt des Lernens. Schaue nicht auf die Beschreibung und tu sie als etwas ab, das du wahrscheinlich schon kennst. Jeder Designer hat seine eigene Art, Dinge zu tun. Die Designer, die diese Ressourcen erstellt haben, wissen also, dass es Dinge gibt, die sie anders machen und von denen du wahrscheinlich sehr profitieren kannst.

Das macht dich glaubwürdiger

Wie kannst du dich bei Gesprächen mit anderen Designern und möglicherweise auch mit Kunden, die etwas von Design verstehen, als glaubwürdiger Designer präsentieren, der das liefern kann, was von ihm verlangt wird?

Diese Ressourcen stammen von einigen der innovativsten und einflussreichsten Designer aus der ganzen Welt. Das bedeutet, dass sie die perfekten Quellen für Zitate und Anekdoten sind, die du im täglichen Gespräch sowohl mit Kollegen als auch mit potenziellen Kunden verwenden kannst. Das Wissen, das du aus diesen Quellen gewinnst, würde auch deine Arbeit auf die nächste Stufe heben, und wenn es etwas gibt, das du effektiv als glaubwürdigen Designer ausweisen kannst, dann wäre es das.

Wirf einen Blick auf die unten stehenden eBooks über Grafikdesign und nutze jeden einzelnen Vorteil, den du daraus ziehen kannst.

Kostenlose PDFs und eBooks zum Thema Grafikdesign

Vielleicht bist du ein wenig besorgt, was die Kosten angeht. Schließlich gibt es nicht viele gute Dinge umsonst. Es herrscht oft der Glaube, dass man das bekommt, wofür man bezahlt. Gut, dass es in der Designbranche viele großzügige Menschen gibt, die bereit sind, ihr Designwissen für wenig oder gar nichts zu teilen.

Im Folgenden findest du großartige PDF-Dateien und eBooks, mit denen du dein Designwissen erweitern oder zumindest die Grundlagen auffrischen kannst.

Praktische Responsive Typografie

Typografie ist nach wie vor eines der wichtigsten Gestaltungselemente. Vor allem, wenn du deine Botschaft kristallklar vermitteln willst. In diesem eBook lernst du viele Grundlagen und auch ein paar fortgeschrittene Dinge. Von der Optimierung des Bildschirmplatzes bis hin zur Auswahl der richtigen Schriftarten für dein Design ist es eine Fundgrube an Wissen, die du kostenlos erhalten kannst.

Das praktische Interaktionsdesign-Bündel

Das Tolle an diesem Download ist, dass nicht nur ein, nicht zwei, sondern gleich drei eBooks in diesem Paket erhalten sind. Du bekommst die Bände 1 und 2 von Interaction Design Best Practices, in denen es darum geht, emotionale Verbindungen durch deine Arbeit herzustellen, leeren Raum richtig zu nutzen, gewohnheitsmäßiges menschliches Verhalten bei der Erstellung deines Designs herauszufinden und vieles mehr. Das dritte eBook heißt „Consistency in UI Design“ (Konsistenz im UI-Design) und kann dir helfen, deine Arbeit auf das nächste Level zu bringen.

Brand House Book

Branding ist etwas, das du als Designer verstehen musst, denn alle deine Kunden werden dies als oberste Priorität betrachten. Das Branding gibt vor, wie dein Design gestaltet sein sollte. Es sagt dir, welche Art von Persönlichkeit oder Charakter dein Design haben sollte. Und ohne ein klares Verständnis der Konzepte kann es passieren, dass du ein Design entwirfst, das nicht mit der Marke übereinstimmt. Zum Glück beantwortet dieses eBook viele deiner Fragen.

Eine Einführung in Adobe Photoshop

Jeder Designer weiß, dass Photoshop zu den wichtigsten Werkzeugen eines jeden Designers gehört. Man kann nicht nur wissen, wie man ein paar Dinge mit diesem Tool macht. Man muss zumindest die Grundlagen kennen, und dieses eBook ist der perfekte Weg, um die meisten dieser Grundlagen in einem Rutsch durchzugehen.

Die Bibel der Freiberufler

Allein der Titel sollte dir verraten, wie nützlich dieses Buch für dich und deine freiberufliche Tätigkeit sein kann. Das Buch ist auch für Designer geeignet, die derzeit für eine Agentur oder einen traditionellen Arbeitgeber arbeiten, sich aber gerne selbstständig machen möchten. Du erfährst, wie du dein Unternehmen vermarktest, wie du deine Arbeit lizenzierst, wie du effektiv mit Kunden kommunizierst und andere Dinge, die dir helfen können, sich als echter Profi zu etablieren.

Die Bausteine der visuellen Hierarchie

Die visuelle Hierarchie ist wichtig, wenn du dein gesamtes Design so übersichtlich wie möglich gestalten willst. Dies wirkt sich auch auf die Art und Weise aus, wie dein Publikum dein Design wahrnimmt. Ohne die richtige Hierarchie werden die von dir erstellten Seiten nicht nur einfach zu navigieren sein, sondern es wird auch schwer sein, die Botschaft zu verstehen, die du vermitteln willst. In diesem eBook erfährst du, wie du diese Hierarchie richtig erstellst.

Die Form des Designs

Die meisten eBooks auf dieser Liste sagen dir, was du tun und wie du es tun sollst. Aber dieses eBook geht einen anderen Weg. Anstatt sich mit dem Wie und dem Was zu befassen, erklärt dir The Shape of Design, WARUM du dein Design erstellst. Das macht es noch wichtiger als jedes andere Tutorial, denn es ermöglicht dir, den Sinn jedes Designaspekts und -elements zu verstehen. Und wenn du nicht verstehst, warum du tust, was du tust, dann bezweifle ich, dass du in der Lage sein wirst, vollständig zu verstehen, was du tun solltest, um ein großartiger Designer zu werden.

Die Zukunft des Produktdesigns

Die Zukunft des Produktdesigns ist ein Bericht, der sich eingehend mit der Frage beschäftigt, warum Produkte so gestaltet werden, wie sie gestaltet werden, und wie sich dies auf die Art und Weise auswirkt, wie die Dinge von nun an gestaltet werden sollen. Jedes Produkt, das jemals hergestellt wurde, beginnt mit einem Zweck oder einem Ideal. Aber es ist die Art und Weise, wie das Produkt gestaltet ist, die diese Ideale zum Leben erweckt. Selbst wenn du dich nicht für Produktdesign interessierst, könnte dies ein echter Augenöffner für dich sein.

Flaches Design & Farben

Minimalismus ist in den letzten Jahren auf dem Vormarsch, vor allem, weil sich die Menschen auf das Wesentliche konzentrieren und sich von allem anderen unnötigen Ballast befreien wollen. Flaches Design ist etwas, das mit dieser neu entdeckten Liebe zur Einfachheit immer beliebter geworden ist. In diesem eBook werden die besten Möglichkeiten zur Verwendung von Flat Design und Farben erörtert, um deine Arbeit einfach und dennoch außergewöhnlich ansprechend zu gestalten.

Die eiserne Faust des Designs

Design’s Iron Fist ist eine großartige Sammlung einer Design-Weisheit nach der anderen. Von der Lehre, wie ein Designer zu denken, bis hin zum Umgang mit Ängsten und Zweifeln, vom Anstoß, aus dem kreativen Trott herauszukommen, bis hin zu Tipps, wie man sein Unternehmen online vermarktet, hat das Buch eine Menge Basiswissen zusammengetragen, das jedem Designer helfen würde, auf die Beine zu kommen und sich einen Namen zu machen.

Alles, was es über Logodesign zu wissen gibt

Logos gehören zu den vielen Anfragen, die du erhältst, sobald du als Designer arbeitest. Beachte, dass es bei der Logoerstellung nicht nur darum geht, ein beliebiges Bild auszuwählen, das gut aussieht, und es mit dem Unternehmensnamen zu kombinieren. Beim Logodesign geht es um so viel mehr, dass dieses „kleine Ding“, das du siehst, tatsächlich die Geschichte einer ganzen Marke erzählen kann – vorausgesetzt, du wählst die richtigen Elemente für die Verwendung. Mit diesem EeBook kannst du das tun.

Handbuch zu Pixel Perfect Precision (PPP)

Das PPP-Handbuch hat sich als eine derartige Fundgrube für Design-Wissen erwiesen, dass dieser Download bereits in der 3. Version vorliegt. Die 1. Version war nur ein einfaches Handbuch, das Details über Pixel und die Verwendung von Photoshop enthielt. Diese Grundlagen erwiesen sich jedoch für jeden Designer, der es heruntergeladen hat, als sehr nützlich. Seitdem hat es sich zu der Design-Bibel entwickelt, die es jetzt ist.

Der Vignelli-Kanon

Der Meisterdesigner Massimo Vignelli mag einer der Größten auf diesem Gebiet gewesen sein, aber das bedeutet nicht, dass er alle seine Geheimnisse für sich behalten hat. Der Vignelli-Kanon vermittelt dir ein breites Spektrum an Wissen, das dir nicht nur in Bezug auf Grafikdesign, sondern auch in Bezug auf Produktdesign, Corporate Design und andere Aspekte des Fachgebiets helfen wird.

Anleitung zum Drucken mit der Creative Suite

Bei allem, was du entwirfst, musst du eines bedenken. Wie würde es im Druck aussehen? Deine Entwürfe sehen auf dem Bildschirm vielleicht großartig aus, aber in dem Moment, in dem sie den Druckprozess durchlaufen, kann alles ganz anders aussehen. In diesem eBook findest du alle Informationen, die du brauchst, um deine Entwürfe druckfähig zu machen, insbesondere wenn du sie mit Adobe Illustrator, Photoshop, Acrobat oder InDesign erstellt hast.

Das Handbuch für kreative Helfer

Richard Tapp und Nicole Smith wissen genau, wie es sich anfühlt, in einem kreativen Trott gefangen zu sein. Deshalb haben sie dieses Handbuch zusammengestellt, das dir zeigt, wie du deinen kreativen Intellekt stärken und dein kreatives Wohlbefinden fördern kannst. Denn das Wissen um die Funktionsweise aller Werkzeuge und das Zusammenspiel der Elemente bringt dich nicht weiter, wenn deine kreative Gesundheit nicht so gut ist, wie sie sein sollte. Genau deshalb brauchst du hin und wieder eine kreative Hilfe, die du mit diesem eBook in Anspruch nehmen solltest.

Wie man kreativ ist

„Aber ich bin doch schon kreativ!“ Das würden wahrscheinlich viele von euch sagen, und danach würdest du wahrscheinlich einfach weitermachen und das tun, was du bisher getan hast. Aber die eigentliche Frage ist doch: Setzt du deine Kreativität richtig ein? Bist du überhaupt sicher, dass du ihr volles Potenzial ausschöpfst? Genau darum geht es in diesem eBook. Als Führungskraft in der Werbebranche hat Hugh MacLeod erlebt, dass viele Kreative das einbringen, was sie im Moment geben können. Aber er sieht, dass sie so viel mehr hätten geben können. Mit diesen praxiserprobten Tipps zeigt er dir, wie großartig du mit deinem kreativen Geist sein kannst. Die Tatsache, dass jeder Tipp von MacLeods Cartoons begleitet wird, macht dieses Buch sowohl unterhaltsam als auch lehrreich.

Grafikdesign für Non-Profit-Organisationen

Lasse dich von dem Titel nicht täuschen. Dieses eBook konzentriert sich zwar auf das perfekte Design für gemeinnützige Organisationen, aber das, was du in diesem eBook lernst, kann auf so ziemlich jede Art von Design angewendet werden. Das Tolle an diesem eBook ist, dass die Herangehensweise einfach ist. Selbst wenn du nur ein Anfänger auf dem Gebiet des Designs bist, wird es dir leicht fallen, die vorgestellten Konzepte zu begreifen.

Die Zeitschranke durchbrechen

Hast du dich jemals gefragt, ob du so viel verdienst, wie du wert bist? Dieses eBook verrät es dir. Lerne, wie du das berechnen kannst, was deine Arbeit wirklich wert ist, anstatt sich nur daran zu klammern, was der Kunde sagt oder was deine Kollegen sagen.

Zeitmanagement für kreative Menschen

Egal, wie oft du darauf bestehst, dass Lernen und Aufschieben deine kreativen Säfte am Fließen hält, viele professionelle Designer können bestätigen, dass dies nichts anderes als eine Ausrede ist, um nicht zuzugeben, dass du ein Zeitmanagementproblem hast. Dieses eBook erörtert dieses häufige Problem. Denke daran: Je besser du dein Zeitmanagement beherrschst, desto mehr Projekte kannst du übernehmen und desto mehr wirst du auch verdienen. Bevor du also nun über die Vorteile des Lernens und Aufschiebens sprichst, probiere erst einmal diese Konzepte aus.

Der Design-Trichter

Das ist jedem Designer schon einmal passiert. Dein Kunde gibt dir etwas sehr Vages vor und erwartet dann von dir, dass du es in ein großartiges Design umsetzt, bei dem ihm die Kinnlade herunterfällt. Dieses Manifest geht endlich auf das Problem ein und zeigt dir, wie du diese vagen Anweisungen in einen Ansatz verwandeln kannst, der mehr Bedeutung hat. Mit diesem Ansatz kannst du wiederum Entwürfe erstellen, die den Wünschen deiner Kunden entsprechen und die zeigen, wer du als Künstler bist.

Wer sagt denn, dass man nichts Wertvolles umsonst bekommen kann? Lade dir diese eBooks über Grafikdesign jetzt herunter und erfahre mehr darüber, wie du dein Handwerk verfeinern und der beste Designer werden kannst.

Die 7 Grundelemente des Grafikdesigns

Entdecke, wie sich Linie, Form, Farbe, Textur, Schrift, Raum und Bild auf das Grafikdesign auswirken

Grafikdesign ist die Kunst, Bilder, Texte und Ideen zu kombinieren, um Werke zu schaffen, die die Aufmerksamkeit des Betrachters auf sich ziehen, um eine bestimmte Botschaft zu vermitteln. Da sich Grafikdesigner immer wieder damit auseinandersetzen, wie man genau das macht, haben sie sich eine Vielzahl von Tipps und Techniken ausgedacht, um ihre Arbeit organisiert und effektiv zu halten.

Die Elemente des Designs werden am besten als Bausteine eines jeden Projekts verstanden. Selbst das komplexeste Grafikdesign-Portfolio kann in grundlegende Elemente wie Linien, Formen und Schriftarten unterteilt werden. Die Prinzipien des Designs – manchmal auch als „die Prinzipien der Kunst“ bezeichnet – sind Regeln, die helfen, zu definieren und zu regulieren, wie diese Elemente miteinander, mit ihrem Kontext und mit ihrem Publikum interagieren. Obwohl sowohl die Designelemente als auch die Designprinzipien wichtige Konzepte sind, konzentriert sich dieser Blogartikel auf die Designelemente, die als die grundlegendsten Merkmale eines jeden Grafikdesignprojekts gelten.

Die sieben Grundelemente des Grafikdesigns sind Linie, Form, Farbe, Textur, Schrift, Raum und Bild. Jedes Grundelement des Grafikdesigns hat seine eigenen Stärken und Schwächen. Beherrsche diese Grundelemente des Grafikdesigns und bringe ein Grafikdesign-Portfolio auf die nächste Stufe.

Linie

Linien sind immer mehr als nur aneinander gereihte Punkte. Je nach Form, Gewicht, Länge und Kontext können Linien dabei helfen, Informationen zu organisieren, Formen zu definieren, Bewegung zu implizieren und Emotionen zu vermitteln.

Bei der Auswahl der passenden Linien für Projekte haben Designer viele Möglichkeiten.

Linien können:

• horizontal, vertikal oder diagonal sein


• gerade, gebogen oder frei geformt sein


• Zickzack oder andere Muster erstellen


• fest, gebrochen oder angedeutet sein

Die unsichtbaren Linien in den Rastern von Printdesigns dienen als Orientierungshilfen und bieten Projekten mehr Struktur und Richtung. Währenddessen können sichtbare Linien mit Gewicht und Form verwendet werden, um eine Vielzahl von Botschaften und Stimmungen in der fertigen Arbeit eines Designers zu kommunizieren.

Denke über die Arten von Zeilen nach, die du in deinem Alltag siehst. Welche Botschaften übermitteln sie dir? Je nach Kontext können schwerere dunkle Linien Stabilität signalisieren – oder eine Bedrohung unterstreichen. Gekritzelte Linien können Aufregung, Verwirrung oder Unordnung andeuten. Zickzackförmige Linien können Elektrizität oder Wut ausdrücken, während gewellte Linien Zerbrechlichkeit, Eleganz, Unsicherheit oder Schönheit suggerieren können.

Da selbst einfache Linien so viel vermitteln können, sollten Designer immer sorgfältig überlegen, wie und wann sie die größte Wirkung erzielen.

Form

Für die Zwecke der grafischen Gestaltung werden Formen am besten als Flächen, Formen oder Figuren verstanden, die von einer Grenze oder einem geschlossenen Umriss umgeben sind. Es gibt zwei Arten von Formen, die jeder Grafikdesigner verstehen sollte: geometrisch und organisch/frei fließend.

Geometrische Formen können entweder zweidimensionale oder dreidimensionale Formen umfassen. Sie werden durch eine Reihe von Punkten erzeugt, die entweder durch gerade oder gebogene Linien verbunden sind und normalerweise abstrakt und einfach sind. Geometrische Formen können Dreiecke, Pyramiden, Quadrate, Würfel, Rechtecke, Fünfecke, Sechsecke, Achtecke, Zehnecke, Kreise, Ellipsen und Kugeln umfassen.

Organische Formen sind weit weniger einheitlich, proportional und klar definiert. Sie können symmetrisch oder asymmetrisch sein. Sie können natürliche Formen wie Blätter, Kristalle und Ranken oder abstrakte Formen wie Kleckse und Kringel umfassen.

Menschen setzen abgerundete Kanten und Ringe oft mit Positivität, Gemeinschaft, Liebe, Freundschaft und Harmonie gleich. Quadrate und Rechtecke können Gleichgewicht, Zuverlässigkeit und Stärke suggerieren. Dreiecke haben kulturelle Assoziationen mit Wissenschaft, Religion, Geschichte, Zivilisation und Macht. Wenn du dich für bestimmte Formen entscheidest, kannst du Stabilität, Zuverlässigkeit und Organisation vermitteln. Mit anderen Formen kommunizierst du Chaos, Kreativität und Spaß.

Gemäß der Gestaltpsychologie – einer vorherrschenden Designtheorie – gibt das Publikum deinem Design einen Sinn, indem es dein Design als Ganzes und nicht als einzelne Teile sieht. Wähle interessante, passende Formen aus, dann bist du auf dem besten Weg, dem Publikum ein optisch ansprechenderes, aufmerksamkeitserhaltendes Design zu bieten.

Farbe

Farben können ein nützliches Werkzeug sein, um eine gewisse Stimmung zu kommunizieren oder eine emotionale Reaktion deines Betrachters zu provozieren. Die Farbtheorie und das Farbrad bieten eine praktische Anleitung für Grafikdesigner, die eine einzelne Farbe auswählen oder mehrere Farben harmonisch – oder absichtlich unharmonisch – kombinieren möchten.

Im Grafikdesign werden einige Farben in bestimmte Kategorien eingeteilt.

• Primärfarben (Rot, Gelb und Blau) werden als die reinen Pigmentfarben definiert, aus denen alle anderen hergestellt werden. Es gibt keine Möglichkeit, eine andere Farbe zu mischen, um Rot, Gelb oder Blau zu erhalten. Aber mischst du sie zusammen, erhälst du alle anderen Farbtöne.


• Sekundärfarben (Violett, Grün und Orange) sind die unmittelbaren Ergebnisse der Mischung zweier Primärfarben: Rot und Gelb ergeben Orange; Blau und Rot ergeben Violett; und Gelb und Blau ergeben Grün.


• Tertiärfarben (Rot-Orange, Gelb-Orange, Gelb-Grün, Blau-Grün, Blau-Violett und Rot-Violett) sind die sechs Farben, die durch Mischen einer Primärfarbe und einer Sekundärfarbe entstehen.

Farbharmonien entstehen, wenn zwei oder mehr Farben aus ihren Positionen im Farbkreis ausgewählt werden.

Komplementärfarben liegen sich im Farbkreis gegenüber. Sie sind sehr kontrastreich und können Lebendigkeit und Energie ausdrücken oder visuell störend wirken, je nachdem, wie sie verwendet werden. Rot und Grün sind z.B. Komplementärfarben.

Analoge Farbschemata verwenden Farben, die auf dem Farbkreis nebeneinander liegen. Sie sind optisch ansprechend und können ein Gefühl von Harmonie und Ruhe in einem Design schaffen. Sie können jedoch auch langweilig wirken, wenn sie falsch verwendet werden oder wenn sie keine anderen kontrastierenden Elemente haben, die sie anregen.

Triaden-Farbschemata verwenden Farben, die gleichmäßig um den Farbkreis verteilt sind. Sie sind sehr lebendig und erfordern ein Gleichgewicht, um optisch ansprechend zu wirken.

Split-komplementäre Farbschemata verwenden eine Grundfarbe und die beiden Farben, die an ihre Komplementärfarbe angrenzen. Sie bieten einen großen visuellen Kontrast, ohne zu stören, weshalb sie von vielen Designern bevorzugt werden.

Tetradische oder rechteckige Farbschemata verwenden zwei Sätze von Komplementärfarben. Da sie vier Farben aufweisen, bieten tetradische Schemata Designern eine Vielzahl von Varianten und möglichen Ergebnissen.

Quadratische Farbschemata enthalten vier Farben, die die Form eines Quadrats auf dem Farbkreis erzeugen. Sie bieten auch viele mögliche Designergebnisse, sollten jedoch bei der Verwendung immer ausgewogen sein.

Wenn du über deine Farbschemata nachdenkst, solltest du auch entscheiden, welche Tönungen und Schattierungen für dein Projekt geeignet sind. Pastellfarben können beruhigend oder unsicher wirken, während helle Farbtöne Spaß und Freude vermitteln können – oder im falschen Kontext billig wirken. Dunklere Farbtöne bedeuten Ernsthaftigkeit und Professionalität, können aber auch düster oder langweilig wirken, wenn du nicht aufpassst.

Laut Experten reagiert der Mensch je nach kulturellem Kontext unterschiedlich psychologisch auf Farbe. Es ist wichtig, die Farbassoziationen deines Publikums zu kennen und sie je nach den Zielen deines Projekts zu nutzen oder zu vermeiden.

Hier erfährst du mehr zur emotionalen und psychologischen Bedeutung von Farben

Entdecke hier die Farbtrends verschiedener Branchen aus den Kreativ-Communities bei Behance und Adobe Stock

Textur

Textur ist die Haptik einer Oberfläche – pelzig, glatt, rau, weich, klebrig oder glänzend. Die meisten Grafikdesigner müssen Texturen visuell vermitteln, indem sie Illusionen verwenden, um zu zeigen, wie sich ihre Arbeit anfühlen könnte, wenn der Betrachter sie berühren könnte. Die Beherrschung der Textur ist ein wichtiger Bestandteil, um Designs poliert und professionell aussehen zu lassen.

Es gibt verschiedene Möglichkeiten, mit Texturen in deiner Designarbeit zu experimentieren. Wenn du dich von der Natur inspirieren lässt, möchtest du vielleicht mit organischen Texturen arbeiten und dich von Blättern, Baumrinde, Steinen, Fell, Blumen, Gras und Erde inspirieren lassen.

Du kannst auch ein abstraktes Muster erstellen, indem du zweidimensionale Elemente gleichmäßig wiederholst und dann dieses Muster verwendest, um strukturierte Hintergründe zu erstellen. Erwäge, mit strukturierter Typografie zu arbeiten, um zusätzliches visuelles Interesse zu wecken.

Wenn du dich für Fotografie interessierst, kannst du auch Bilder in deinen Hintergrund integrieren, die deine Arbeit überlagern. Passe für zusätzlichen strukturellen Kontrast die Farbsättigung und Transparenz deines Fotos an und sieh, wie sich dies auf die Stimmung deines Designs auswirkt.

Schrift

Ein weiteres Grundelement des Grafikdesigns ist die Schrift. Unabhängig davon, ob du eine Schriftart auswählst oder deine eigene Typografie für ein Grafikdesignprojekt erstellst, ist es wichtig, dass die von dir verwendete Schriftart lesbar und für dein Thema geeignet ist. Die Schrift beeinflusst die Gesamtstimmung eines Designs. Überlege dir also, ob deine Buchstaben gedruckt oder geschrieben sein und ob sie scharfe oder abgerundete Winkel haben sollten.

Auch das Gewicht deines Schriftzuges ist ein wichtiger Bestandteil deines Designs. Typischerweise vermitteln große oder dicke Buchstaben, dass die Wörter, die sie vermitteln, wichtig sind. Wenn du jedoch nicht aufpasst, können sie auch schwerfällig wirken oder das Gleichgewicht eines Designs stören. Dünne Buchstaben können Eleganz oder Modernität suggerieren, können aber auch zerbrechlich wirken. Wenn du dich nicht auf eine Schriftart oder -größe festlegen willst, kannst möglicherweise mehr als eine in das endgültige Design deines Logos integrieren. In der Regel solltest du jedoch drei Schriftarten in einem Projekt nicht überschreiten.

Raum

Der Abstand ist ein wesentlicher Bestandteil des Werkzeugkastens eines jeden Designers. Es kann einem Design Raum geben, seine visuelle Wirkung erhöhen, schwerere visuelle Elemente ausgleichen und Bilder oder Botschaften hervorheben, an die sich die Betrachter erinnern sollten. Ohne genügend Raum kann ein Design zu unübersichtlich für dein Publikum werden.

Der Abstand kann Objekte trennen oder miteinander verbinden. Enge Abstände zwischen visuellen Elementen vermitteln, dass sie eine starke Beziehung haben, während größere Abstände kommunizieren, dass sie weniger miteinander verbunden sind. Wenn du ein visuelles Element mit Raum umgibst, betonst du seine Bedeutung, aber der Raum kann auch Einsamkeit und Isolation suggerieren.

Positiver Raum bezieht sich auf den Raum, der von visuellen Elementen eingenommen wird, auf die sich ein Designer konzentrieren möchte. Negativer Raum bezieht sich auf alles andere, einschließlich des Hintergrunds. Viele Designer machen den Fehler, sich nur auf die Gestaltung eines positiven Raums zu konzentrieren. Ein organisierter negativer Raum ist aber für eine zusammenhängende, visuell interessante Komposition ebenso wichtig. Wenn du darauf achtest, wie sich negativer Raum auf dein Design auswirkt, kann dies dein Projekt von amateurhaft zu professionell steigern.

Bild

Auch Bilder gehören zu den Grundelementen des Grafikdesigns. Ob Grafikdesigner Fotos oder Illustrationen verwenden, sie verlassen sich auf Bilder, um die Aufmerksamkeit des Publikums zu erregen und spezifische Botschaften auszudrücken. Ein Bild wirkt auf mehreren Ebenen gleichzeitig: Es bietet Kontext für die Kommunikation eines Designers, fügt notwendige Dramatik oder Aktion hinzu und schafft eine Gesamtstimmung.

Wenn du Bilder in deine Arbeit integrierst, ist es wichtig, ein Bild zu finden, das die richtige Geschichte erzählt und das visuelle Interesse maximiert. Du kannst ein Bild mit vielen kontrastierenden Farben und Texturen auswählen, das den Zuschauern ein visuelles Fest bietet, um das Interesse des Publikums aufrechtzuerhalten. Oder du hebst nur einen bestimmten Teil eines Bildes hervor, um zu vermitteln, wo sie den größten Teil ihres Fokus platzieren.

Bilder sind vielleicht die wirkungsvollsten visuellen Kommunikationsmittel. Wenn du deine Kraft gezielt zu deinem Vorteil nutzt, wird deine Arbeit mehr vermitteln, als du jemals für möglich gehalten hättest.

Fazit – Grundelemente des Grafikdesigns

Du kannst Designelemente in jeder Form und jedem Layout verwenden, die Text, Bilder und Ideen erfordern, um etwas Einzigartiges auszudrücken – von Postern und Werbetafeln bis hin zu Broschüren und Verpackungen. Lerne, jedes Konzept und jedes Grundelement des Grafikdesigns mit Bedacht auszuwählen und zu verwenden. So bist du auf dem besten Weg, Grafikdesigns zu erstellen, die frisch, kommunikativ und visuell ansprechend sind.

Hier findest du 11 weitere leistungsstarke Grafikdesign-Tipps

11 leistungsstarke Grafikdesign-Tipps

Wenn du ein Anfänger bist, suchst du wahrscheinlich nach einigen wirkungsvollen Grafikdesign-Tipps, die dir helfen, deine Fähigkeiten diesbezüglich schnell zu verbessern und die Branche zu verstehen. Vielleicht hast du jahrelang nicht ganz verstanden, was ein Grafikdesigner tut. Oder vielleicht war dir nicht bewusst, dass es sich um ein umfangreiches Gebiet handelt, das von der morgendlichen Kaffeetasse in der Hand bis hin zur mobilen App, mit der du deine Schlafgewohnheiten verfolgst, alles abdeckt und fast alles dazwischen.

Designer kreieren Marken und Erlebnisse, Anzeigen und Publikationen, physische Räume, digitale Räume, Animationen und eine endlose Liste anderer Dinge. Design beeinflusst unser Leben direkt und hat das Potenzial, die Welt zum Besseren zu beeinflussen. Es gab noch nie eine aufregendere Zeit, um Grafikdesign zu lernen, sei es online oder persönlich.

Jetzt fragst du dich vielleicht, was macht ein gutes Design aus? Und wie kann ich das für mich als Anfänger erreichen? Grafikdesign kann nicht auf eine einfache Gleichung vereinfacht werden. Es gibt kein 1 + 1 = preisgekröntes Design. Wenn ja, würden wir uns nicht von der kreativen Brillanz inspirieren lassen.

Die gute Nachricht ist jedoch, dass es im Grafikdesign sehr leicht verständliche Prinzipien gibt, die, wenn sie angewendet werden, sogar den frühesten Anfängern oder sogar Nicht-Designern ermöglichen können, ein erfolgreiches Design zu erzielen. Lies weiter, um 11 leistungsstarke Grafikdesign-Tipps zu erhalten, mit denen du bei deiner Arbeit mehr Wirkung erzielen kannst, egal wie erfahren du bist.

1. Moodboard

Erstelle ein Moodboard mit inspirierenden Designs, die ein ähnliches Aussehen und Gefühl vermitteln wie das, was du in deinem Design erstellen möchtest. Dies können Elemente wie Schriftarten, Farbpaletten, Bild- oder Illustrationsstile und vor allem Layoutreferenzen sein, die sich mit einem ähnlichen Designkontext befassen.

Durch das Sammeln einer Vielzahl von Referenzen wirst du Ähnlichkeiten zwischen ihnen erkennen, die dazu beitragen, deine eigenen kreativen Ideen zu entfachen.

Es gibt keine festgelegte Zahl, aber suche nach genügend Referenzen, um dir eine Vielzahl von Inspirationen zu bieten, auf die du zurückgreifen kannst. Wenn du nur eines auswählst, besteht die Gefahr, dass du es unbeabsichtigt zu genau kopierst.

Browserbasierte Plattformen wie Pinterest eignen sich hervorragend zum Erstellen digitaler Moodboards und zum Finden von Inspirationen. Die Algorithmen helfen dir dabei, ähnliche Stile zu finden. Stelle jedoch sicher, dass du die besten Design-Blogs besuchst, um zu sehen, was die Branchenführer erstellen. Diese Grafikdesign-Beispiele sind auch ein guter Anfang.

2. Habe einen Plan

Die schlechteste Art etwas zu entwerfen, ist, einfach ein Programm zu öffen und mit dem „Pixel-Pushing“ zu beginnen.

Bevor du einen Computer anfasst, ist es wichtig, über das Ziel des Designs nachzudenken, was der Betrachter sehen und mitnehmen soll. Beginne mit ein paar schnellen, groben Skizzen, um deine Seite zu planen und schaue, wo all deine Inhalte platziert werden. Behalte immer das oben genannte Moodboard im Auge, um inspiriert zu bleiben.

Bedenke, dass selbst die einflussreichsten Designer der Welt wie Lance Wyman ihre Entwürfe zuerst auf Papier planten. Wenn du dir ein paar Minuten Zeit nimmst, um dein Design zu planen, kannst du Stunden am Computer sparen und bekommst keine Kopfschmerzen.

3. Vereinfache deinen Typ

Einer der wichtigsten Aspekte des Designs ist Klarheit. Daher ist es wichtig, dass wir die Lesbarkeit nicht der visuellen Attraktivität opfern. Vereinfache es im Zweifelsfall. Die Typografie ist der perfekte Ausgangspunkt.

Wenn du mit einem neuen Design beginnst, ist es eine gute Idee, ein wenig zu experimentieren und die perfekte Schriftart für das jeweilige Projekt zu finden, an dem du arbeitest.

Schaue dir einen inspirierenden Blog an, um zu sehen, wie andere Designer Schriftarten ausgewählt und angewendet haben. Es gibt auch über 900 kostenlose Schriftarten, die du von Google Fonts abrufen kannst, was die Auswahl manchmal nicht leicht macht.

Beschränke dich darauf, zwei Schriftarten in deinem Design zu kombinieren. Besser noch, wähle eine einzelne Schriftfamilie mit einer großen Variation an Strichstärken und Stilen, damit du sicher sein kannst, dass die Schriften, die du kombinierst, sich ergänzen. Die Schriftfamilie Futura beispielsweise gibt es nicht nur in verschiedenen Strichstärken von Light bis Extra Black, sondern auch in verschiedenen Stilen wie Oblique und Condensed.

4. Bringe die Farbe auf den Punkt

Farbe ist eines der wirkungsvollsten Elemente des Designs, um einen bestimmten Ton oder eine bestimmte Botschaft zu kommunizieren.

Daher ist es wichtig, bei der Auswahl deiner Palette sowohl über die Psychologie der Farbe als auch über eine Farbtheorie nachzudenken. Ein einfacher Ausgangspunkt ist, mit einer Farbpalette von 1 bis 3 Hauptfarben zu beginnen, die sich gegenseitig ergänzen, und dann verschiedene Töne derselben Farbe zur Konsistenz zu verwenden, indem die relative Helligkeit oder Sättigung angepasst wird. Dies ist wichtig, um genügend Kontrast in deiner Palette zu erzielen. Stelle dir jede Farbe als eine „Lautstärke“ vor und passe deine Töne so an, dass sie nicht alle mit der gleichen Lautstärke schreien.

Es ist auch wichtig, mit den Proportionen deiner Farbpalette herumzuspielen und wie viel von jeder Farbe auf das Design angewendet wird. Denke daran, dass kleinere Schriften eine stärkere Unterscheidung vor einem farbigen Hintergrund benötigen. Hier sind ein paar Ressourcen zum Erstellen von Farbpaletten:

• Pigment by Shape Factory


• Adobe Color


• Paletton


• Coolers

5. Keine Angst vor Leerraum

Die Integration von Raum zwischen den Elementen deines Designs wird als „weißer“ oder „negativer“ Raum bezeichnet. Weißraum kann dabei helfen, deinem Design ein bestimmtes Aussehen oder Gefühl zu verleihen. Es kann sich sauber, minimal, zeitgemäß und sogar modisch anfühlen.

Wenn sauber und minimalistisch nicht unbedingt das sind, was du kommunizieren möchtest, solltest du die Auswirkungen der Schaffung von Platz dennoch nicht außer Acht lassen. Es kann verlockend sein, leere Räume in deinem Design zu füllen. Raum kann aber auch einer deiner größten Vorteile sein, wenn er strategisch genutzt wird und dazu beitragen, einen Schwerpunkt zu schaffen.

Raum im Design ist nicht einfach das Fehlen von Inhalten, sondern eine Designentscheidung an sich und kann verwendet werden, um wichtige Designprinzipien wie Kontrast und Hierarchie zu erreichen.

Versuche, Platz um ein Element zu schaffen, auf das sich der Betrachter konzentrieren soll. Wenn es sich beispielsweise um eine wichtige Überschrift handelt, halte sie vom Rest des Texts fern, damit ihr Betrachter sie zuerst lesen kann.

6. Gehe nicht immer auf Nummer sicher

Kontrast ist ohne Zweifel eines der effektivsten Gestaltungsprinzipien, die es zu beachten gilt.

Dies kann durch die Verwendung von Größe und Maßstab, relativer Helligkeit oder Dunkelheit, Farbe und Raumnutzung erreicht werden.

Stelle sicher, dass die Größe der Elemente auf der Seite kontrastreich ist, und stelle sicher, dass deine Farben kontrastierende Töne oder Schattierungen aufweisen. Du kannst mit der Schriftgröße auf der Seite spielen und es kann auch eine nützliche Faustregel sein, den Kontrast bei der Paarung der von dir gewählten Schriftarten zu berücksichtigen. Einige Designer verfolgen in diesem Bereich eine „Go big or go home“-Mentalität und wählen Schriftarten aus, die sich stark voneinander unterscheiden.

7. Achte auf die Hierarchie

Wenn du dich hinsetzt, um etwas zu entwerfen, frage dich: „Was ist das wichtigste Element meines Designs?“. Einfacher gesagt, worauf soll jemand zuerst schauen?

Hierarchie ist ein äußerst wichtiger Aspekt des Grafikdesigns. Als Designer ist es deine Aufgabe, einen Betrachter durch das Design zu führen, daher musst du die Elemente nach ihrer Bedeutung priorisieren.

Zum Glück geht Hierarchie Hand in Hand mit Kontrast und du kannst diese Priorität leicht durch Skalierung, den Einsatz von Farbe, Schriftgröße und Schriftarten sowie die Verwendung des Leerraumes erreichen.

Die wichtigste Botschaft des Designs sollte dominant bleiben, unabhängig vom Stil des Designs oder wie viele andere Elemente du verwendest.

8. Ausrichten

Ausrichtung hilft, dem Design Struktur und Ordnung zu geben. Ohne sie besteht die Gefahr, dass dein Design wie ein schlechtes Tetris-Spiel aussieht.

Wenn du deine Elemente wie Schrift, Bilder und Illustrationen aufeinander ausgerichtet hältst, wird ein vorzeigbares Design gewährleistet. Bonus: Es gibt Ausrichtungsoptionen und Anleitungen direkt in deiner Adobe-Software, die du als Hilfestellung verwenden kannst. Stelle immer sicher, dass du Seitenränder anlegst. Verwende diese, um deine Elemente auszurichten.

9. Symbole

Symbolik ist kein neues Konzept. Menschen leben seit Tausenden von Jahren mit Symbolen, von frühen Markierungen an Höhlenwänden bis hin zur heutigen Fähigkeit, ein ganzes Gespräch durch Emojis zu führen.

Ein Symbol ist eine kleine grafische Darstellung von etwas und kann verwendet werden, um Dinge, Orte, Menschen, Emotionen und Handlungen darzustellen.

Symbole können Bedeutungen oft schneller und in kürzerer Zeit vermitteln als tatsächliche Wörter. Sie können Sprachbarrieren überwinden, helfen, die Aufmerksamkeit auf einen bestimmten Teil eines Entwurfs zu lenken und können viel weniger Platz einnehmen, während sie die gleiche Bedeutung wie eine schriftliche Anleitung haben.

Wenn du beispielsweise versuchst, Leute dazu zu bringen, einem Social Media Kanal zu folgen, fügst du die sofort erkennbaren Symbole für jede Plattform hinzu, damit der Betrachter deine gewünschte Aktion sofort erkennen kann.

Symbole können großartige Elemente sein, um Dinge aufzupeppen, ohne bei einem einfachen Design zu viel hinzuzufügen. Stelle bei der Verwendung von Symbolen sicher, dass sie als Set funktionieren und sich im Stil konsistent anfühlen.

10. Struktur und Ordnung

Einfache Linien sind eine effektive Möglichkeit, Elemente in einem Design zu verankern und das Gefühl zu vermitteln, dass es eine allgemeine Ordnung und Struktur gibt.

Du kannst eine Linie verwenden, um einen Inhalt vom Rest des Designs zu trennen und auch darauf aufmerksam zu machen. Beispielsweise kannst du eine dünne Linie darüber oder ein Kästchen um deine „Call-to-Action“-Infos wie ein Logo und eine zu besuchende URL verwenden.

Du kannst auch vertikale und horizontale Linien als „Trennzeichen“ zwischen verschiedenen Elementen im Bild verwenden. In diesem Fall fördert das Gefühl der Trennung von Elementen das Gefühl der Planung und Koordination im Entwurf und hilft dem Entwurf, sich strukturierter anfühlen zu lassen.

11. Beständigkeit ist König

Nachdem du all diese Arbeit erledigt und all diese wichtigen Prinzipien im Design berücksichtigt hast, stelle sicher, dass du die Regeln befolgst, die du für dich selbst festgelegt hast, und in deinem Design konsistent bist.

Lege Regeln für die Größe und den Abstand von Textelementen wie Überschriften, Untertiteln und Fließtext fest und verwende die Absatz- und Zeichenstile in Adobe, um diese Regeln überall dort anzuwenden, wo diese Textelemente erscheinen.

Stelle sicher, dass deine Bilder das gleiche Erscheinungsbild haben. Suche nach Bildern mit den gleichen Farbtönen oder Sättigungsstufen sowie Ähnlichkeiten in Bezug auf Details/Verspieltheit oder Abstraktion/Einfachheit.

Sei konsistent mit deinen Farbpaletten und Anwendungen und wiederhole Elemente, wo du kannst.

Konsistenz ist besonders wichtig bei mehrseitigen Designs oder beim Branding, bei dem ein Unternehmen mehr als einen Berührungspunkt mit seinem Publikum hat. Das Design der Marke sollte überall erkennbar sein, wo das Publikum mit einem Unternehmen interagiert – auf ihrer Website, ihrer Visitenkarte, ihren Social Media Kanälen und in ihrer physischen Umgebung.

Fazit: Grafikdesign-Tipps

Du siehst also, dass wir unseren Respekt vor den Branchenriesen bewahren können, aber auch eigene erfolgreiche Designs erzielen können, indem wir einfachen Prinzipien des Grafikdesigns folgen.

Wie alles andere braucht es Zeit, um Fähigkeiten zu verfeinern und zu schärfen. Durch das Üben dieser 11 Grafikdesign-Tipps können jedoch selbst die jüngsten Designer wachsen und sich entwickeln.

Selbstständigkeit – für sich selbst arbeiten, anstatt für andere

Für dich selbst arbeiten, anstatt für einen bestimmten Arbeitgeber, der dir ein konstantes Gehalt zahlt

Was ist Selbstständigkeit?

Selbstständigkeit bezieht sich darauf, für sich selbst zu arbeiten, anstatt für einen bestimmten Arbeitgeber zu arbeiten, der dir ein Gehalt zahlt. Selbständige handeln oft als unabhängige Auftragnehmer, indem sie mit anderen Unternehmen zusammenarbeiten.

Wie funktioniert die Selbstständigkeit?

Selbstständigkeit ist in einer Vielzahl von Berufen üblich. Denn sieht man sehr oft, dass Selbstständige in einem bestimmten Bereich oftmals hochqualifiziert sind. Beispiele für Berufe, in denen eine selbstständige Tätigkeit üblich ist, sind verschiedene Handwerksbereiche, Schriftsteller, Freiberufler, Künstler, Rechtsanwälte, Buchhalter, Finanzdienstleister und Investoren.

Arten der Selbstständigkeit

Zu den drei Arten von Selbstständigen zählen:

1. Unabhängige Auftragnehmer
   
   Unabhängige Auftragnehmer sind Personen, die mit der Ausführung bestimmter Aufgaben für Kunden beauftragt werden. Das bedeutet, dass sie nur für ihre Aufgaben bezahlt werden. Da sie nicht als Arbeitnehmer gelten, unterliegen sie nicht der Arbeitnehmerentschädigung. Ihre Kunden müssen im Gegensatz zu traditionellen Arbeitgebern keine Steuern von ihren Zahlungen für abgeschlossene Arbeiten einbehalten. Einige Beispiele für unabhängige Auftragnehmer sind Ärzte, Anwälte, Journalisten, Buchhalter und Arbeiterberufe wie Klempner, Elektriker und Handwerker.


2. Einzelunternehmer
   
   Einzelunternehmen beziehen sich auf eine Art von Unternehmen, die im Besitz einer einzelnen Person ist und von dieser betrieben wird. Dies bedeutet jedoch nicht, dass ein Einzelunternehmer individuell arbeitet. Oft entscheiden sie sich dafür, ein paar Mitarbeiter einzustellen, die ihnen bei der Erledigung ihrer Aufgaben helfen.
   
   Zu beachten ist, dass bei Einzelunternehmen keine rechtliche Unterscheidung zwischen dem Eigentümer und dem Unternehmen besteht. Das heißt, der Einzelunternehmer erhält zwar den gesamten Gewinn aus dem Unternehmen, haftet jedoch uneingeschränkt für alle Verluste.


3. Partnerschaften
   
   Personengesellschaften sind eine Vereinbarung zwischen zwei oder mehreren Personen, um ein Unternehmen gemeinsam zu führen und zu betreiben und an seinen Gewinnen und Verlusten zu beteiligen. Es ist ähnlich wie bei Einzelunternehmen, nur dass jetzt mehr als eine Person die operative Kontrolle hat.
   
   Es gibt verschiedene Arten von Personengesellschaften – von offenen Personengesellschaften, die es allen Mitgliedern ermöglicht, Gewinne und Verbindlichkeiten gleichermaßen zu teilen, bis hin zu anderen Formen von Personengesellschaften, bei denen einige Gesellschafter mit beschränkter Haftung konfrontiert sind. Manchmal können Partner auch „stille Partner“ sein. Das bedeutet, dass ein Partner nicht in das Tagesgeschäft des Geschäfts involviert ist, sondern stattdessen Kapital in das Geschäft einbringt.

Selbstständigkeit vs. Unternehmertum vs. Startup

Wichtig ist auch, die Selbstständigkeit von anderen Begriffen wie Unternehmertum und Startup zu unterscheiden. Unternehmertum bezieht sich in der Regel auf den Prozess des Entwerfens, Startens und Betreibens eines neuen Unternehmens. Es umfasst alle neuen Organisationen, einschließlich kleiner Unternehmen, die niemals groß werden und sich registrieren lassen möchten. Ein Startup hingegen ist eine temporäre neue Organisation, die mit der Absicht gegründet wurde, über die Gründer und Eigentümer hinaus größer zu werden und Mitarbeiter einzustellen.

Es sollte beachtet werden, dass ein Selbstständiger nicht mit einem Unternehmer gleichzusetzen ist, da dieser Mitarbeiter einstellen kann, um für ihn zu arbeiten und der Chef mit der Verantwortung für die Überwachung anderer während der Betriebsführung wird.

Unternehmer können sich auch auf Eigentümer beziehen, die eine Beteiligung am Unternehmen halten, aber nicht am laufenden Geschäft beteiligt sind, ähnlich wie bei einigen Personengesellschaften ein „stiller Gesellschafter“. Selbstständige sind jedoch sowohl Eigentümer des Unternehmens als auch Hauptbetreiber.

Vorteile der Selbstständigkeit

Einer der bemerkenswertesten Vorteile der Selbstständigkeit ist vielleicht der große Freiheitsgrad und die damit verbundene Flexibilität. Es ermöglicht dem Einzelnen, Dinge zu tun, die er liebt, individuelle Arbeitszeiten festzulegen, zu entscheiden, welche Arbeit er tut oder nicht, und beinhaltet oft die Arbeit von zu Hause aus, was viel Zeit beim Pendeln spart.

Selbstständige können ihr eigener Chef werden, genießen unbegrenzte Kreativität ohne Angst vor dem Widerstand eines Managers und haben die vollständige Kontrolle über die meisten Geschäftsentscheidungen. Schließlich bringt die Selbstständigkeit ein Gefühl von Stolz und Leistung mit sich, ein erfolgreiches Unternehmen aufzubauen, und die Fähigkeit, Veränderungen vorzunehmen, wenn man es für notwendig hält.

Nachteile der Selbstständigkeit

Allerdings sind mit der Selbstständigkeit auch Nachteile verbunden, wie die hohe Beschäftigungsunsicherheit und das finanzielle Risiko. Während Selbstständige in ihrem Gehalt nicht begrenzt sind, besteht auch die Möglichkeit, dass man überhaupt kein Gehalt bekommt, wenn das Geschäft unrentabel ist. Außerdem müssen sie alle Verluste auffangen und unbeschränkt haften. Das heißt, sie müssen alle Kosten selbst tragen.

Es gibt auch finanzielle Nachteile, wie die Notwendigkeit, dem Arbeitgeber die Hälfte der Selbstständigensteuer für Sozialversicherung. Krankenversicherungen, die in den vom Arbeitgeber bereitgestellten Gesundheitsplänen üblich sind, sind nicht verfügbar, und Selbständige müssen ihre eigene Krankenversicherung finanzieren. Darüber hinaus erhalten Selbstständige auch nicht den finanziellen Zuschuss, den Arbeitgeber normalerweise zu Altersvorsorgeplänen beitragen.

Fazit

Selbstständigkeit bezieht sich darauf, für sich selbst zu arbeiten, anstatt für einen bestimmten Arbeitgeber, der dir ein Gehalt zahlt. Das ist in einer Vielzahl von Berufen üblich. Dennoch ist bewiesen, dass Selbstständige in einem bestimmten Bereich in der Regel hochqualifiziert sind.

Einige gängige Arten der Selbstständigkeit sind unabhängige Auftragnehmer, Einzelunternehmen und Personengesellschaften.

Vorteile der Selbstständigkeit sind ein hohes Maß an Freiheit, Unabhängigkeit und Kontrolle über unternehmerische Entscheidungen. Zu den Nachteilen zählen jedoch ein hohes Beschäftigungsrisiko und ein schwankendes Einkommen sowie die uneingeschränkte Haftung und die Verantwortung für alle Geschäftsverluste.

Spielst du mit dem Gedanken, dich selbstständig zu machen? Dann möchte ich dir dazu recht herzlich gratulieren, denn es gibt keinen schöneren Job auf der Welt! Lies auch die nächsten beiden Blogartikel zu diesem Thema und schaue dir das kostenlose Webinar an!

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